Az Egyesült Királyság ikonikus korszakai

Az elmúlt 50 évben a brit grafikai tervezés a bolygó legbefolyásosabb és legszélesebb körben elterjedt vizuális nyelvévé vált. A háború utáni modernista mozgalomtól kezdve ez a kis sziget a svájci modernizmustól a dadaizmusig, a Bauhausstól a szituacionizmusig terjedő hatásokat szívta magába, és mindegyikbe fikarcolta és belevésette, mielőtt egy igazán különös munkadarabot köpött volna vissza.

A brit dizájn egyedülálló megközelítésében és kivitelezésében egyaránt: képes egyensúlyba hozni a tömegpiaci támadási vonalat olyan tervezési klasszikusokkal, mint a Penguin Books és a Routemaster buszplakátok, Jamie Reid punkesztétikájának páratlan energiájához és hozzáállásához.

Alan Fletcher európai és amerikai formatervezésének modernista ötvözésétől kezdve Neville Brody évtizedes meghatározó vizuális munkájáig az 1980-as években az Egyesült Királyságban a grafikai tervezés világszerte átjárta, megformálta és végső soron inspirálta a kortárs grafikai dizájnt. Barnbrooktól Brodyig, Calverttől Garrettig és Alan Fletchertől a Barney Bubblesig Nagy-Britannia minden idők legfontosabb tervezőit produkálta. 'Ezeknek az ábráknak egy közös vonása van' - tanúsítja a neves tervezői kommentátor és szerző, Adrian Shaughnessy. - Egyik sem illik a hangulatos brit tradicionalizmus fogalmába.



A háború utáni poszttól a post punkig 1950-1979
1951 májusában a Nagy-Britannia Fesztiválja merész új jövőképet nyitott meg az Egyesült Királyság formatervezésével és kultúrájával kapcsolatban. Szigorúan tekintve a második világháború pusztulását követő jövőre, a Nagy-Britannia Fesztiválja modernista szemléletet ünnepelt, amelyet a kiállítás plakátjain át az esemény megünnepléseként létrehozott emlékbélyegekig minden tükröz.

A hat fő kiállítás 10 millió látogatója között volt egy fiatal Alan Fletcher, aki két évvel később találkozott Colin Forbessal, Theo Crosbyval, Derek Birdsallal és Ken Garland-tel a Királyi Művészeti Főiskolán. Miután visszatért az amerikai grafikai tanulmányokról a legendás Paul Rand vezetésével, Fletcher megalapította a Fletcher / Forbes / Gill céget, amely többféle inkarnáció után Pentagramba formálódott - minden idők egyik legjelentősebb dizájnügynökségeként.

'Alan Fletcherre nagy hatással volt az amerikai design' - mondja Shaughnessy, aki Fletchert a modern brit design létfontosságú - ha időnként szelíd - katalizátoraként említi. „A vizuális szójátékok és a viccek használata azt jelentette, hogy sok munkája csak a hangulatos brit tradizmus élesebb változata. A Pentagram társalapítása azonban nagy eredmény a brit dizájnban.

Míg Fletcher, Forbes és Gill olyan korszakmeghatározó kampányokon dolgozott, mint a Pirelli, az amerikai és az európai design kombinációjára támaszkodva, az Egyesült Királyság infrastrukturális kialakítása forradalmat élt át.

A Közlekedési Minisztérium, amely aggódik az Egyesült Királyság útjelző tábláinak rendszertelensége miatt, utánozni akarta a London Transport következetes márkanevének és identitásának sikerét. Jock Kinneir és asszisztense, Margaret Calvert azt a feladatot kapták, hogy az összes autópálya és közúti jelzés egységes megjelenését hozzák létre. Ezek az új kék-fehér jelek voltak - Calvert szerint - a grafikai tervezés abszolút lényege; egyértelműen felcímkézve, a közvetlen információtól minden rendetlenség nélkül. Kinneir és Calvert táblái gyorsan azonosíthatóan britekké váltak, mint a londoni buszok és a fekete fülkék, és az egész világon tovább alakították az infrastruktúra tervezését. Továbbra is befolyásolják az online navigációs rendszereket.

A Kinneir vizuális hatékonyságával és Calvert radikális jelrendszerével szemben az 1960-as évek végi szemrobbanás volt. Alan Aldridge a Cream és The Who lemezhüvelyeitől kezdve az Oz magazinig - amelyet az illusztrátor (és az ausztrál ex-pat) Martin Sharp alapított - szín- és energiakitörés támadt a földalatti sajtóból és zenei üzletből, amely futótűzként terjedt a USA és Európa.

'A hatvanas évek kontrakultúrája létfontosságú volt a brit grafikai tervezés fejlődésében' - véli Shaughnessy. - Talán nem stílszerűen, hanem annak bemutatására, hogy a képeket hogyan lehet felforgató vagy transzgresszív célokra felhasználni. Azt hiszem, ez megmutatta, hogy a „grafikai tervezés” művészet lehet, és üzenetek és kódok továbbítására szolgál. Ez volt az első alkalom, hogy a grafikai tervezés eltért a jó ízlés és a jó modor régi brit hagyományaitól.

Germano Facetti olasz művészeti vezető alatt a Penguin elkezdte megváltoztatni a klasszikus márka arculatát. Facetti számos feltörekvő brit illusztrátort és tervezőt bízott meg, köztük Alan Aldridge-ot, hogy kísérleti képeket dolgozzanak ki a svájci tervező, Jan Tschichold által tervezett borítók merev, klasszikus keretébe. Ez a kombináció mesterlövés volt - egyszerre emelte Penguin kortárs állását a könyvespolcon, miközben a márka egyedülállóan azonosítható maradt. Ez a megközelítés a mai napig szilárd tervezési szokás, és még mindig látható a példákban, beleértve a Time magazin sablon alapú borítóit.

Míg az 1960-as években a pszichedelikus műalkotások és a hatás robbanása a zenében és a divatban ütközött, ez gyorsan elavulttá és nyugtatóvá vált. Ennek - és általában a szabad szerelmi kultúrának - az anathemája a punk mozgalom kezén volt.

„[Punk] kidobta a grafikai tervezés formai hagyományát, és szabad anti-formalisták kifejezésmódjával helyettesítette” - magyarázza Shaughnessy. 'Mindenkinek megmutatta, hogy a grafikai tervezés nemcsak az ügyfelek kereskedelmi üzeneteinek továbbítására használható.'

Valójában a punk mozgalom üzenetei posztmodern, szürrealista árnyalatú forradalmi fegyverhívások voltak - Jamie Reid mára híres művétől a Sex Pistols-ig, a rajongók által készített barkácsolási esztétikáig, mint pl. Szimatol ragasztó . Ezek kétségkívül formáló, földalatti művek voltak. De amit tovább inspirálnak, az átformálja a brit grafikai tervezés megbecsülését az egész világon.

A Thatcherizmustól a webig 1980-1995
1980 májusában egy egyszeri NME szerkesztő által létrehozott kis kiadó indult Az arc . Az elkövetkező 20 évben ez a stílus, a divat, a zene és az ifjúsági kultúra jeladójává válik. A műalkotás öröksége mégis fényesebb, mint kulturális fénye, sablonként szolgál a világ divat- és stílusmagazinjaihoz.

A magazin ultramodern stílusának élén Neville Brody állt - az Egyesült Királyság egyik legelismertebb tervezője, aki a Az arc , Homok , és az elmúlt években a Az idők és Gyám újságok a Research Studios-nál. Brody nem szokványos és tipográfiailag merész elrendezéseket használt, intim portréfotózással párosulva, és ez a szerkesztőség kialakítását alakította ki.

„Az 1980-as évek előtt a brit dizájn a hagyományos stílusról szólt - heraldikai emblémákról, dekoratív tipográfiáról és tudományos illusztrációról. De a grafikai tervezés utolérte a popzenét és a divatot, és magáévá tette a radikális, az utcai és a telepítésellenes stílust - mondja Shaughnessy. „De ez a stílusmániás együtt járt a Thatcher„ loadsa money ”kultúrájával, és ma a radikális stílus és a kereskedelmi stílus közel azonos. Ami egykor forradalminak tűnt a Az arc úgy néz ki, mint a szokásos kereskedelmi kultúra.

A zenekarok közül sok a Az arc vizuális felújításon esnek át. Manchesterben a Factory Records a dadaizmust és a szituatista elméletet egyesítette egy erősen iparosított esztétikával. A zenekarok vizuális stílusát a Joy Division, az A bizonyos arány és a Duretti oszlop irányította Peter Saville, egy fiatal tervező, akinek öröksége nyomon van Manchesterben. Ő a város kreatív igazgatója, és felelős Manchester városának felirataiért és vizuális identitásáért - míg a legutóbbi Nike és Reebok kampányok 1980-as stílusú grafikus csomagolása, valamint számos zenekar, köztük a La Roux, továbbra is utánozzák Saville trópus által vezérelt minimalizmusát.

Saville-hez hasonlóan Malcolm Garrett is a grafikai tervezés szakán tanult a Manchester Műszaki Egyetemen, és 20-as évei elején kezdte meg munkáját a városból kirobbanó manchesteri központú post-punk együtteseknél. Garrett Buzzcocks számára készített alkotása ötvözte az underground punk esztétikáját a kihívásokkal teli, intelligens szlogenezéssel. Képeket készített a Magazine, a Boy George és a Simple Minds zenekarok számára, de Duran Duran lemezborítóinak munkája a mai napig az 1980-as évek grafikai tervezésének vizuális emblémájaként működik, kortárs tervezők, köztük Chrissie Abbott erősen rajzolva Garrett esztétikája.

A Az arc - valamint az azt követő számtalan zenei és stíluscím - zenészek voltak, köztük Elvis Costello és más Stiff Records művészek, akiken Barney Bubbles folytatta munkáját. A Bubble 1970-es évek végi pop-art ihlette stílusa tisztább grafikai formává érett. Albumképei, köztük Elvis Costello Célom igaz óriási hatással volt az amerikai formatervezési szcénára (és ez továbbra is így van - csak a Westcoast pop-punk ruháira, például a Green Day-re érdemes példákat találni). A Bubbles kiadványának promóciós munkája közben - beleértve az Egyesült Királyságban három brit zenei lapban átadható összegyűjthető, hatrészes plakátot is - kereskedelmi szempontból a punk underground megközelítését alkalmazta, hasonlóan ahhoz, mint Penguin 15 évvel korábban.

'Saville-t, Brody-t és Garrettet nem az ellenkultúra stílusai és trópusai, hanem a radikális európai modernizmus befolyásolta formális rácshasználattal, tipográfiai elmélettel, valamint a képek és a színek kontrollált használatával' - mondja Shaughnessy. Az a hagyaték, amelyet ez a formatervezési forradalom hagyott, nem volt olyan radikális, teszi hozzá - egy pontot Rick Poyner formatervező író vett fel, aki nemrégiben írt fejezetet a kortárs brit designról Design Nagy-Britanniában , egy új Design Museum könyv.

'Mind az 1960-as, mind az 1980-as években a grafikai tervezés iránti kereskedelmi és kulturális keresletet a növekvő gazdaság vezérelte' - mondja Poyner. „Az 1980-as években ezt még„ design boom ”-nak is nevezték. A gondosan kitalált vizuális jelek útján történő képalkotás ötlete már az 1960-as évek elején fontos volt. Az 1980-as évekre a képgel, mint az identitás kifejeződésével kapcsolatos aggodalom nemzeti rögeszmévé vált, különösen a fiatalok körében. A 'stílus' minden volt ebben a rendkívül versenyképes évtizedben, és a dizájnt, beleértve a grafikai dizájnt is, mágikus eszköznek tekintették, amely révén egy személy vagy egy vállalkozás megszerezheti azt. ' Ez a stílus és identitás kulturális és kereskedelmi megszállottsága volt, amelyet Nagy-Britannia világszerte exportált.

De a popkultúra ezen kereskedelmi kedveskedése az 1980-as és 1990-es évek dizájnját képviselte. Míg a földalatti mozgalmak továbbra is befolyásolták a dizájnt - nevezetesen az 1980-as évek végén és az 1990-es évek elején a savas ház kultúrájába -, a földalatti földet most kitették, és a Saville, Garrett és Brody szituacionista álláspontját beolvasztották a mainstreambe. Újabb forradalomra lenne szükség, hogy Nagy-Britannia független tervezési tekintélyét visszaszorítsa a világra, és amikor a digitális hajnal megtört, egy újfajta tervezők készek voltak felvállalni a fáklyát.

A digitális forradalom 1995-től napjainkig
„A brit dizájn radikalizálódása, amely Saville-nel és Brody-val kezdődött, olyan csoportokkal jött létre, mint a Why Not Associates, a Fuel, a Cartlidge Levene és a Tomato, és olyan grafikai kifejezési hullámot képviselt, amely kedvezően hasonlítható össze a svájci Hollandban történtekkel, Japán, Németország és az Egyesült Államok - olyan helyek, amelyek már radikálisan megközelítették a grafikai dizájnt ”- mondja Shaughnessy, amikor arra kérik, hogy válasszon egy arany korszakot a brit dizájnból. A korai digitális formatervezési forradalom, még mindig túl közel ahhoz, hogy teljes mértékben megbecsülhesse, David Carson, Carlos Segura és Jim Marcus USA-vezérelt grunge-esztétikájának elcsendesedése után Nagy-Britanniát globális vezetővé tette.

Az olyan dizájner ruhák, mint a FUEL, a Why Not Associates és a Graphic Thought Facility, a brit művészeti és formatervezési főiskolákról származtak, egyesítve Saville és Brody művészi szempontból a divat, a zene és a film tervezésével kapcsolatos megközelítését.

A Tomato még tovább tolta a dolgokat, összekapcsolva a brit grafikai tervezés és a zene kapcsolatát az Underworld zenekar műveivel - két tag egyik mellékprojektje. Ez megalkotta a Lemon Jelly / Airside és más kettős dizájn és zene ruhák tervrajzát.

A tervezők ezen új fajtájából egy stúdió tűnt ki. Shaughnessy és Poyner egyaránt kijelenti, hogy a The Designers Republic (tDR) az egyik legbefolyásosabb dizájnstúdió lesz, amely Nagy-Britanniából érkezik - mind kreatív teljesítményét, mind pedig álláspontját tekintve: „Ian Anderson a tDR-t úgy működte, mint egy popcsoportot, ezzel a grafikai dizájnt kivette a szakmai területről a zene, a stílus és a divat tágabb szavába - érvel Shaughnessy. - Ezt most természetesnek vesszük, de régen annyira más volt.

A tDR olyan igényeket támasztott munkája az ügyfelek számára, mint amilyen a Faberge és a V&A Múzeum, Marlboro és a gyerekjáték-cég Hasbro, megmutatta a stúdió tehetségének sokszínűségét. De az ügyfelek tudták, hogy a tDR-hez közvetlen kreatív hozzájárulásért érkeznek, nem pedig egy marketing és reklámszöveg teljesítéséhez; A tDR-nek nem volt házstílusa, de mindenképpen volt házi szelleme.

'A dizájnt akkoriban a mindennapi népi kultúra alapvető szempontjának tekintették' - mondja Poyner. 'Nagyon kívánatos pályaválasztássá vált. A grafikusok egyre növekvő meggyőződését érezték abban, hogy a tervezés létfontosságú a hatékony kortárs kommunikáció minden fajtájában, és eljött az ő idejük. Nagy bizonyosságú, látványos és sokrétű munka következett. Ezek voltak azok az évek, amikor a világ valóban elkezdte felfigyelni a brit grafikai tervezésre.

A dot-com mellszobor és a mai nap között néhány brit tervező hírnevet szerzett magának azzal, hogy a politikai és kulturális hatásokat ötvözte a kereskedelmi dizájnnal. Jonathan Barnbrook részben tiltakozó, részben művészet által vezérelt alkotásai továbbra is az etikailag tudatos tervezők generációját inspirálják, míg az élvonalbeli webes és interaktív dizájnstúdiók, mint például Brendan Dawes mágnesesNorth és video szuperstúdiója, a Mainframe a klasszikus grafikai dizájnt vegyítette technikailag fejlett mozgás és interaktív munka.

Ezekben az új szférákban a brit design ugyanolyan befolyásos marad, mint 40 évvel ezelőtt. És bár a magányos fegyvereket felváltották az együttműködő vállalkozások és a stúdió növekedése, az egyének még mindig rányomhatják bélyegüket. Az olyan illusztrátorok, mint Kate Moross, továbbra is a divatot, a zenét és az illusztratív művészetet egyesítik olyan globális márkák tervezési munkájában, mint a Cadbury és a Nike, míg a stúdiók, mint a Form, az Attik és a Studio Output, kulturális referenciapontokat szőnek a divat és a tiszta grafikai esztétika közé.

De a stílusnak valahonnan ki kell fakadnia, és bár Londonot talán a világ zene- és formatervezési fővárosának tekintik, az Egyesült Királyság altruista és művészi hozzáállása a tervezőmunkához továbbra is a legexportálhatóbb árucikk. 'Érdekes, hogy a jelenlegi pénzügyi válság következtében a fogyasztás előtti dizájn-ötletek visszatérnek, különösen az Egyesült Államokban' - véli Shaughnessy. Ha igaza van, ez elősegítheti a brit tervezők következő generációjának nyomát a világon.